« SPECTRUM » Birth of the Light, Traversées perceptives

Du 22 au 24 mai, le B3 Studio accueille SPECTRUM : Birth of the Light, une exposition collective organisée par la commissaire Feriel BOUATTOUR BEN AMMAR. Réunissant plusieurs artistes aux univers plastiques variés, elle propose un travail sensible autour de la lumière à travers différents supports et approches contemporaines. Conçue comme une immersion perceptive, l’exposition en fait une matière, une vibration et un langage plastique.

Parmi les œuvres exposées, les peintures de Jamel CHAWKI MAHDAOUI se distinguent par la diversité de leurs supports et de leurs formes. Elles évoquent des structures cosmiques où la clarté se déploie en cercles, en rayons et en vibrations multiples. L’artiste propose ainsi une quête métaphysique entre univers, humain et temporalité.

Chez Zied LASRAM, deux visages stylisés suggèrent un lien intime et une forte connexion émotionnelle, caractéristique de son approche figurative. Ses figures fluides et célestes prolongent une atmosphère de mystère, dans une recherche où l’expression touche à l’immatériel.

Les sculptures à formes humaines de Mohamed GHASSAN semblent s’animer grâce à des socles lumineux. Le contraste entre opacité et translucidité crée une présence à la fois forte et ludique, transformant l’œuvre en une expérience presque performative, traversée par une lecture du présent.
Dans le prolongement, les figures de Walid ZOUARI s’organisent en compositions graphiques où s’accumulent visages et silhouettes, formant une foule aux accents de caricature, en tension avec le réel.

L’installation La Dame de Carthage de Mona JMAL SIALA, réalisée à partir d’un travail en pixels sur grillage, se construit par fragmentation. La variation subtile des tons de gris fait émerger une figure, dont la bouche est obstruée par une plaque translucide orange, qui filtre et dévie la circulation de la lumière à travers la trame du support.

Dans Rebellious de Najet DHABI, une silhouette féminine occupe l’espace dans une posture audacieuse. L’image met en évidence le corps féminin à travers une intensité chromatique affirmée.

Les œuvres de Nour ZARROUGUI usent d’un enchevêtrement de silhouettes féminines en mouvement, où les corps se superposent dans une dynamique continue. La palette contrastée, bleu, blanc et jaune, fait émerger la densité des figures. En revanche, Sarra SELLIMI dévoile des portraits de femmes figés et frontaux, dont la force expressive repose sur des couleurs vives qui structurent le visage.

L’installation sur un banc public, face aux tableaux représentant le bord de mer de Donia BOUATTOUR, installe un temps suspendu du regard, invitant à une observation lente et méditative.

La série Midnight de Hanen FERTANI ouvre un univers nocturne où les couleurs surgissent par éclats électriques. Abstraits mais narratifs, ces tableaux font émerger la clarté par l’intensité des émotions. En écho, les Créatures de Malek SAADALLAH explorent mutation, résistance et figures hybrides.

Les calligraphies de KOOM se déploient sur des fonds en dégradés arc-en-ciel, entre geste graphique et vibration chromatique, composant un ensemble dynamique et lumineux.

Les installations de Samia ACHOUR instaurent une logique spéculaire à travers un arrangement spatial de sphères colorées posées sur des socles miroir, générant un jeu de réflexion et de dédoublement.

Les mosaïques de verre coloré de Lydia LHOTE LAZAAR retiennent particulièrement l’attention par leurs jeux de transparence, leurs réfractions et leur richesse chromatique, en résonance directe avec la thématique de l’exposition.

L’exposition se clôt par une performance immersive dédiée à l’art numérique. Entre projections visuelles et environnement sonore, l’installation plonge les visiteurs dans un univers sensoriel où image, lumière et son se déploient dans l’espace.

Un grand mérite revient à la curatrice, qui a su réunir un ensemble d’artistes aux parcours affirmés et aux pratiques diverses, mais aussi choisir le lieu et orchestrer les œuvres avec précision. Le B3 Studio, avec ses volumes élevés et ses voûtes en berceau contemporaines, offre un cadre architectural fort. Son agencement construit de véritables dialogues entre les pièces, qui se répondent et entrent en résonance.

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À la galerie A. Gorgi, à Sidi Bou Saïd, Chahrazed Fekih présente Apis Mellifica. Discrète depuis la rue, accolée au musée Dar El Annabi, la galerie révèle un autre univers une fois le seuil franchi. Dès l’entrée, le visiteur quitte l’espace urbain pour être transporté dans un paysage intérieur où la nature semble reprendre place. Consacrée à l’abeille, l’exposition déploie une traversée entre observation minutieuse et interprétation plastique, rappelant par moments l’époque des planches entomologiques et de certaines sensibilités naturalistes.

La première installation, L’abeille et l’enfant, donne immédiatement le ton. Des photographies anciennes en noir et blanc dialoguent avec une sculpture représentant un jeune enfant assis, observant une abeille posée sur sa main. En arrière-plan, un album photographique ancien prolonge cette présence du souvenir. L’ensemble agit comme une scène suspendue, entre mémoire intime et fable silencieuse.

Face à cette installation prend place Être de foule, vaste polyptyque de huit panneaux réalisés aux encres colorées sur papier aquarelle. De loin, la composition évoque une large surface de miel, vibrante et lumineuse. En s’approchant, le regard découvre que cette matière apparente est composée d’une multitude de minuscules abeilles. La répétition du motif, la circulation d’un panneau à l’autre et l’ampleur de l’ensemble introduisent l’idée d’une communauté en mouvement, où l’individuel s’efface au profit du collectif.

Plus loin, dessins et compositions rappellent les planches naturalistes anciennes. L’insecte y est observé avec précision, parfois fragmenté, recomposé ou associé à des matériaux légers évoquant la ruche. La rigueur descriptive y dialogue avec une réelle poésie du regard.

Les sculptures occupent également une place centrale. D’une blancheur subtile, elles assemblent céramique, laiton, marbre, résine et autres matières dans des formes mêlant végétal, essaims d’abeilles et fragments du corps humain. Plus l’on avance dans l’exposition, plus la présence humaine s’efface au profit d’un autre ordre du vivant.

Au fond de l’espace, deux grands panneaux monumentaux donnent à l’abeille une échelle nouvelle. Agrandie jusqu’à devenir presque emblématique, elle révèle la minutie du travail de l’artiste : nervures des ailes, textures, segmentation du corps et finesse du trait composent des images d’une grande densité.

Ce qui retient ici n’est pas seulement la maîtrise technique, mais la cohérence d’un langage plastique. Chahrazed Fekih ne représente pas simplement l’abeille : elle en transpose les structures, les rythmes et les équilibres. Apis Mellifica fait ainsi dialoguer dessin, matière et sculpture dans un ensemble sensible et raffiné.

L’exposition se poursuit jusqu’au 15 mai 2026 à la galerie A. Gorgi, à Sidi Bou Saïd.

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Le 19 avril, la Galerie Alain Nadaud a accueilli le vernissage de « Transparences croisées », prolongeant la résidence où les œuvres se sont construites durant les échanges. À l’issue de ce temps intensif, les artistes se retrouvent entre fatigue et accomplissement, dans un moment de bascule où le travail quitte l’atelier pour devenir exposition. L’espace, jusque-là dédié à l’échange et à l’expérimentation, s’est transformé pour laisser place à l’accrochage. Les œuvres ont pris place, et les projecteurs se sont allumés, révélant des formes passées de l’expérimentation à leur déploiement dans l’espace d’exposition.

Avant même le seuil, le corps monumental peint par Najet Dhahbi s’impose. Placée au centre du dispositif, son œuvre ne se contente pas d’occuper l’espace : elle l’organise. Figure charnière de la résidence, elle en constitue le lien, le noyau entre les participants.
À la frontière de l’humain et de la créature, cette forme de grande ampleur échappe à une lecture stable. L’échelle et la frontalité imposent un rapport direct, aussitôt mis en tension par le prolongement des œuvres dans l’espace. Tableaux inversés, déplacements du regard : la lecture se trouble, se déjoue, obligeant à une reconfiguration de la position du corps face à l’image.

À l’accueil du parcours, les œuvres de Fatma Kammoun Fehri et de Sadika Keskes installent d’emblée le lieu, oscillant entre transparence et densité. La silhouette recomposée en verre de Sadika Keskes répond aux tableaux façonnés par le feu de Fatma Kammoun Fehri, dans une même matière en transformation. Le verre et le feu apparaissent ici comme principes actifs, rappelant la nature du lieu et la présence des corps dans l’espace.
Le parcours se poursuit avec l’œuvre « انسى » de Mohamed Ghassan (Irak / Tunisie). Si le mot évoque l’oubli, sa réalisation en néon bleu agit à l’inverse, comme une persistance. Installée sur un grand miroir, l’inscription engage directement le regard. Au sol, des fragments de verre bleu brisé prolongent cette tension. Face à l’ensemble, le spectateur se trouve confronté à ses propres images, ravivant des souvenirs enfouis.

À l’autre bout de l’exposition, le bleu réapparaît dans l’œuvre de Rachida Amara. Une gravure réalisée sur une table provenant des lieux figure ses anges. Les tracés se construisent par superposition, où la matière semble s’alléger à la surface. Autour, d’autres travaux prolongent cette présence. L’artiste investit ainsi plusieurs supports pour traduire les journées passées en résidence, entre traces directes et variations de matière.

Chez Mouna Jemal Siala, la variété des matières s’articule à une écriture visuelle fondée sur le pixel. De petites unités carrées se juxtaposent, construisant des images qui ne se révèlent pleinement qu’à travers l’écran du téléphone. La forme fragmentée devient image seulement à distance, comme si la perception dépendait d’un ajustement du regard.

Son installation « Porte de la mer » ouvre un autre registre. Une porte brisée, maintenue par des grillages fixés, oscille entre raccommodage et barrière. À côté, un matelas en piètre état, posé au sol et brodé, introduit une présence humaine et fragile. L’ensemble met en tension ouverture et fermeture, passage et blocage, évoquant les traversées, les frontières et les déplacements.

Le parcours s’achève avec les œuvres de Weaam El Masry et de Faek Rasul, invités internationaux, qui prolongent cette traversée dans une autre tension.
Dans les œuvres de Weaam El Masry (Égypte), les figures se construisent par fragments. Les corps apparaissent partiels, parfois disloqués, pris dans des cadrages serrés ou suspendus dans l’espace de la feuille. Les couleurs, souvent contrastées, installent une tension entre présence et effacement. Le décor et le personnage se confondent, comme si l’un se dissolvait dans l’autre. L’ensemble oscille entre figuration et altération, laissant apparaître une image instable, marquée par le passage et la transformation.

Le tracé au crayon de Faek Rasul (Irak / Autriche), d’apparence rigoureuse, se défait progressivement de sa propre netteté. La technique repose sur des crayons aquarelle appliqués à sec, fixés puis repris à plusieurs reprises.

Ce processus de superposition transforme la ligne : elle s’efface, se déplace, jusqu’à perdre sa stabilité initiale. Peu à peu, les traces disparaissent pour laisser apparaître des formes liquéfiées, comme absorbées lentement par le support. Des masses sombres, proches de flaques d’encre noire, émergent sur le fond blanc, parfois contenues par un léger encadrement rouge qui agit comme seuil plutôt que limite. Les souvenirs liés aux guerres ne se présentent pas comme des récits directs, mais glissent vers un état intermédiaire, entre mémoire et projection.

Chiraz Mosbah, curatrice de l’événement, a su orchestrer à la fois le concept et la mise en espace de la résidence. Le parcours de visite est facilité par l’usage de QR codes, qui permettent d’accéder directement aux œuvres et aux artistes, allégeant la médiation et fluidifiant la lecture de l’espace autour des pièces exposées.
L’exposition se poursuit jusqu’au 25 avril, accessible au public de 11h à 18h, le temps d’une dernière traversée des œuvres et de leurs prolongements dans l’espace d’exposition.

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Au bord du golfe de Tunis, entre la plage et la forêt de Gammarth, l’Espace Art Sadika, temple du verre soufflé, accueille du 10 au 18 avril la résidence artistique internationale « Transparences croisées », curatée par Chiraz Mosbah.

Loin de se limiter à une production d’œuvres, celle-ci s’inscrit dans une logique d’expérimentation.

L’initiative émerge d’une volonté claire : réunir des artistes indépendants, aux profils variés et issus de contextes multiples. Sortis de leurs ateliers, réunis dans un même espace de travail, confrontés à une temporalité et à des conditions communes, les artistes s’imprègnent du lieu, de son rythme et de son atmosphère.

Le verre, omniprésent, agit comme point d’ancrage. Par ses propriétés et ses états, il oriente les recherches sans les contraindre. À partir de matériaux de récupération disponibles dans les ateliers de Sadika, un langage plastique se construit, en transformation constante.

Ce qui relie les œuvres ne se donne pas immédiatement à voir. Il tient à une condition partagée: celle de se faire ici, dans un temps court, au contact des autres et du lieu.

Certains artistes se connaissaient déjà, d’autres s’y rencontrent pour la première fois. Au fil des jours, une dynamique collective se met en place. Dessiner, couper, brosser, peindre, assembler : les gestes se répondent, les idées circulent. Les artistes découvrent les lieux autant qu’ils se découvrent entre eux. Des moments de concentration alternent avec des temps d’échange, d’entraide et de collaboration.

Les formes se déplacent, se cherchent. Les couleurs se diffusent, se filtrent, se superposent.

La résidence se veut ouverte au public. Le visiteur n’y découvre pas des œuvres achevées, mais des processus en cours. Il observe, circule, échange. Il assiste à la recherche, aux hésitations, aux ajustements. Avant d’être forme, l’œuvre se donne comme une émotion en construction.

Encore ouverte pour quelques jours, la résidence donne à voir ce moment rare où l’œuvre hésite, se construit et se transforme.

Le vernissage, prévu le dimanche 19 avril à 11h, viendra prolonger cette expérience. L’exposition sera visible du 19 au 25 avril et promet une variété de matériaux, de supports et de techniques.

La lumière s’y déploie en contrastes.
Les corps se modèlent par la lumière.
Le noir lui-même devient surface lumineuse.

Pour suivre la résidence en cours, cliquez sur le lien suivant :
https://www.facebook.com/profile.php?id=61577492206235&sk=about

Artistes internationaux

Weaam El Masry (Égypte)

Faek Rasul (Irak / Autriche)

Artistes tunisiens

Mouna Jemal Siala

Najet Dhahbi

Rachida Amara

Mohamed Ghassan

Sadika Keskes

Fatma Kammoun Fehri

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Cet ouvrage « les hammams de la médina de Tunis », conception d’hier face à l’usage d’aujourd’hui, aborde le hammam sous différents aspects : historique, morphologique, technique, symbolique, économique, culturel, et sociologique mettant les usages, les pratiques et le parcours spatial au cœur de sa réflexion. Il propose une étude monographique présentant une qualité d’informations étayées par des exemples pertinents et analysant les tracés architecturaux des hammams. Il dresse un état sur les hammams à la Médina de Tunis qui constitue une source de références importante pour présenter et valoriser le patrimoine des hammams à Tunis. Il expose un ensemble de plans et tracés inédits de hammams existants ou même disparus, fruit d’un travail d’arpentage de terrain et de recherche minutieuse de documents rares. Ainsi, l’ouvrage nous fait découvrir les spécificités spatiales, stylistiques et ornementales de ces édifices. »

L’ouvrage présente 40 établissements hammams de la médina de Tunis et de ses deux faubourgs dont certains ont disparus. Une carte grand format est jointe à l’ouvrage, elle restitue le plan de la médina vers 1861 sur laquelle sont localisés les hammams et le reste des édifices de la médina.

Héritier des balneae romains, le hammam est le lieu par excellence du corps, de son hygiène et de ses soins. Les hommes viennent s’y laver, s’y faire raser et masser ; les femmes s’y lavent, s’y tatouent au henné(1) ou au harkous(2), s’épilent, et s’appliquent des masques capillaires et corporels. Il arrive aussi qu’elles viennent y soigner certains maux, en particulier articulaires et rhumatismaux : on y pratique par exemple une technique de réalignement des os du bassin après les accouchements, la kabsa. C’est également un haut lieu de sociabilité : autour d’un café ou d’un narguilé, les hommes s’y reposent, et discutent affaires ou politique, tandis que les femmes bavardent et choisissent une épouse pour leurs fils, dans une atmosphère agréable.

La médina de Tunis comptait au X° siècle 15 bains publics(3). Au XVII° siècle, Ibn Abi Dinar(4) en dénombre 40, et en 1861 le conseil municipal(5) fournit une liste détaillée de 64 hammams : 37 dans la médina centrale, 13 au faubourg Bab Souika, et 14 au faubourg Bab Djazira. Pour l’étude des hammams, la source archivistique la plus importante est l’ensemble des registres de la taxe locative (el kharrouba)(6), dont le plus complet date de 1843(7). Ces archives indiquent que la majorité des établissements de bain étaient des biens habous, servant à alimenter les caisses de biens religieux, militaires ou beylicaux. Il y avait aussi des propriétés privées.
Ainsi, le soin qu’accordaient les notables et les habitants de la ville de Tunis à l’édification des hammams est révélateur de l’importance donnée à l’hygiène. Ces infrastructures publiques d’hygiène et de bien-être rythment le mobilier urbain et participent à l’essor de nouveaux quartiers.

Sana Letaief est Designer et Docteure, elle est membre au Laboratoire d’archéologie et d’architecture maghrébines (LAAM),
Elle est enseignante universitaire à l’Institut Supérieur des Arts et Métiers de Siliana ISAMS depuis septembre 2021. Elle avait enseigné à la Faculté des Lettres, des Arts et des Humanités à la Manouba, ainsi qu’à l’Institut Supérieur des Beaux Arts de Sousse.

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